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El Beso de la Mujer Araña

Por Modesto Peralta Delgado

La Paz, Baja California Sur (BCS). Charles Manson es todo un símbolo de la locura y lo macabro, de una mente perturbada pero con enorme influencia. Tal ha sido el impacto de su “obra”, que conocidos artistas le han rendido culto. Él mismo era un músico —algunos creen que con talento, otros lo consideran mediocre—, y en este artículo pretendemos mostrar ese lado, a medio de siglo de que saltara a la fama mundial al entrar en prisión luego de ser acusado de varios asesinatos. No es, por supuesto, un artículo que “celebre” su figura, sin embargo, nos parece interesante ver esta faceta poco conocida del famoso líder de la Familia Manson.

Charles Manson —cuyo nombre original era Charles Milles Maddox, hasta que su madre le puso el apellido de un obrero con el que llegó a hacer vida de pareja—, nació en Ohio, Estados Unidos, en 1934, ha sido una leyenda en la que se han superpuesto datos no del todo verificables. Al parecer, su infancia y adolescencia estuvieron marcados por la pobreza, el alcoholismo de su madre, quien lo tuvo como madre soltera a los 16 años, y muy pronto comenzó su vida criminal con arrestos por asaltos a manos armada desde los 13 años. Del orfanato al reformatorio, sería en prisión cuando aprende a tocar la guitarra y a empaparse de literatura esotérica y filosofía oriental.

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Sin embargo, fue el 22 de abril de 1921 que fue condenado a muerte —posteriormente a cadena perpetua, muriendo en la cárcel en 2017— por el asesinato en primer grado de siete personas, entre ellas, Sharon Tate Polanski, esposa del director de cine Roman Polanski, cuando ésta estaba embarazada. De hecho, el más reciente filme de Quentin Tarantino, Once Upon A Time In Holllywood, termina con una versión feliz de este hecho, con cierto halo de justicia poética de lo que pudo haber pasado si los miembros de la Familia Manson no hubieran masacrado a Sharon Tate. Pero lo que pasó, pasó, y hace medio siglo que el caso criminal le dio la vuelta al mundo. Los hechos ya son célebres, pero musicalmente, ¿cómo sería el soundtrack de la vida y “obra” de Manson?

A principios de marzo de 1970 se publica el álbum Lie de Charles Manson, precisamente en los días en que el juicio por los asesinatos estaba en marcha. Existe la anécdota de que Dennis Wilson, baterista de The Beach Boys, conoció a dos chicas integrantes del clan Manson cuando le pidieron raite en la carretera, y posteriormente se conocieron. Sin embargo, la banda ha desmentido los dichos de Manson de que llegó a grabar material con The Beach Boys, una de las bandas más emblemáticas de la década de los 60 —cuyo Pet Sounds siempre está enlistado entre los mejores álbumes de todos los tiempos. ¿Quién diría que Lie pudiera ser fácilmente escuchada por todo el mundo desde Spotify? Aquí el álbum:

El álbum fue un fracaso, pero es interesante descubrir que su música es un reflejo de la onda hippie, con guitarras y voces que parecen acompañar una noche de campamento. Puede sonar incluso a Bob Dylan o a Neil Young —el segundo, efectivamente, lo conoció en persona. Cultura Colectiva publica que Manson tuvo más producciones musicales: White Rasta (1983) con canciones grabadas en prisión; Live At San Quentin (1993), un en vivo del ya mencionado; Manson Speaks (1995), con poesía recitada de Charles Manson; y The Way of the Wolf (1998), con canciones y poemas.

¿Qué tiene qué hacer una canción de The Beatles con Charles Manson? Que cuando éste había reunido a su clan en un rancho, donde se erigió como su líder, una especie de Jesucristo moderno, creía escuchar “realmente” las canciones del White Album, en el cual Helter Skelter jugó un papel tan singular que fue escrita —aunque con mala ortografía— en el refrigerador de una pareja asesinada por la Familia Manson. Paul McCartney, autor del tema, declaró que “Charles Manson interpretó que Helter Skelter estaba relacionado con los cuatro jinetes del Apocalipsis. Sigo sin saber qué tiene que ver nuestra canción con ese pasaje del Libro Profético de La Biblia. Yo no lo he leído, de modo que no lo sé. Pero Manson lo interpretó así, que en la canción Helter Skelter nosotros éramos los cuatro jinetes y que nos habíamos propuesto exterminar a todo el mundo”.

La voz del famoso asesino serial —el que, paradójicamente, hay que decirlo, no mató con sus propias manos a nadie pero era el líder religioso que comandó al clan— aparece en el tema My Monkey, de Marilyn Manson, quien también utiliza versos de I’m A Mechanical Man, tema incluido en Lie. El famoso cantante compuso su nombre artístico a partir de dos celebridades de EEUU: Marilyn Monroe y Charles Manson. También la banda Guns ‘N Roses realizó una versión de Look At Your Game, Girl, compuesta por Manson, para el álbum The Spaghetti Incident?

El que Manson haya influido de alguna manera en la música de artistas como Marilyn Manson los Guns, o en el cine de Quentin Tarantino, habla por sí mismo de su influencia y el halo macabro que lo envuelve, hasta la fecha. Daron Malakian, guitarrista, de System of a Down, declaró en una entrevista estar “muy triste por escuchar las noticias sobre la muerte de Charles Manson. Las entrevistas y música de Manson fueron una gran influencia para mí como artista, sobre todo cuando estaba escribiendo el álbum Toxicity. Titulé la canción ATWA por la organización ambiental de Manson. Me interesaba la manera en que pensaba y cómo veía a la sociedad, no sus crímenes”.

Wikipedia tiene un extenso artículo sobre Charles Manson y su influencia en la cultura popular norteamericana, y en la música en particular, como que la banda Church of Misery se basó en él para escribir Spahn Ranch, y que la banda Negative FX, usó su imagen para la portada de su álbum homónimo de 1985. Parece evidente que su imagen sigue siendo atractiva para algunos, pese a lo repulsivo que puedan considerarse sus crímenes.

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Colaboración Especial

Por Ramón Cuéllar Márquez

La Paz, Baja California Sur (BCS). El 10 de abril de 1970, The Beatles decidieron separarse para siempre. Hace 47 años el mundo se quedó sin el sonido del Mersey Beat londinense, pero durante ese tiempo todo lo que tuviera que ver con el cuarteto más famoso del siglo XX se convirtió en leyenda y aun en mito fantástico. Quienes no vivimos su apogeo crecimos escuchando su música y aferrándonos a su historia, a una posbeatlemanía que no termina.

Durante la década de los 60’s, The Beatles fueron las figuras más importantes de la música popular, en especial del rock, que tuvo varias vertientes y de las cuales ellos fueron innovadores en todos los sentidos. Prácticamente se puede decir con justicia que hay un antes y después de The Beatles. En esos diez años obtuvieron 27 Número 1 en las listas de popularidad tanto del Reino Unido como de Estados Unidos, además del resto del mundo; asimismo, grabaron catorce álbumes de estudio, un sinfín de sencillos y todos con un éxito arrollador.

Claro, no surgieron de la nada, ni eran el diseño publicitario de una campaña fríamente calculada como sugieren algunos conspiranoicos. Su historia comienza en el verano de 1957, cuando John Lennon y Paul McCartney se conocieron (que, datos aparte, en este 2017 cumplirían 60 años de ese hecho); luego seguiría Hamburgo en Alemania a principios de los 60’s y de regreso a Liverpool en el club La Caverna, que es una especie de templo beatlémano en la actualidad. La historia interna de The Beatles se cuenta aparte, pues algunos miembros de origen terminaron abandonando la agrupación, principalmente cuando se hacían llamar The Quarrymen; después en The Silver Beatles, cuyo caso más sonado fue el de Pete Best, que fue sustituido por Richard Starsky, más conocido como Ringo Starr, y la muerte prematura del mejor amigo de John Lennon, Stuart Sutcliffe, quien fue el que, se cuenta, le puso Beatles a la banda.

Por supuesto, no sólo fueron catorce LP’s, hicieron recopilaciones de sus canciones más emblemáticas y más populares, como consta en los álbumes rojo y azul, Let It Be Naked, Past Masters 1 y 2, por mencionar algunos. A mediados de los 90’s se renovaría el sonido beatle con las ya famosas Antologías 1, 2 y 3, que incluyó CD’s y VHS’s en su momento, con un éxito total, donde se incluyeron dos canciones inéditas, Free As A Bird y Real Love, ambas cantadas y compuestas por el fallecido John Lennon, y que gracias a la magia de la tecnología, se pudo incorporar a los otros tres ex integrantes, logrando con ello que el cuarteto se reuniera por primera vez desde 1970.

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Quienes fuimos seducidos por la música beatle, la escuchamos o por discos o por canciones en particular, o por ambos casos. Por eso sabemos que fue con Help! , de 1965, que The Beatles iniciaron su transformación y perfeccionamiento musical, alejándose de sus triunfos iniciales cuyo único propósito fue el de alcanzar el éxito y la fama; además, en Help!, a diferencia de sus otros álbumes, esta vez, exceptuando Act Naturally y Dizzy Miss Lizzy, todas las canciones estaban firmadas por la dupla Lennon y McCartney, más dos de Harrison. En seguida vinieron dos de sus discos más aclamados por la crítica, Rubber Soul y Revolver, de 1965 y 1966, respectivamente, y donde ahora sí todas las canciones estaban compuestas por ellos y su evolución se hizo más patente. En opinión de George Harrison, esos dos discos eran lo mejor de su producción discográfica, a los que pensaba como un álbum doble.

La cosa es que The Beach Boys, a quienes se les consideraba The Beatles estadounidenses, quedaron impresionados con el álbum Revolver, y quisieron hacer algo parecido pero muy superior, algo jamás visto ni oído. Ese disco fue Pet Sounds, que tuvo un éxito sin precedentes en su historia como banda de rock, y al que se califica como uno de los mejores álbumes de toda la historia. The Beatles, al ver el resultado, no quisieron quedarse atrás, y para sacarse la espinita clavada, comenzaron a idear algo que superara lo hecho por The Beach Boys, incluso algo que venciera a sus propios éxitos. Era el Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, de 1967.

George Martin declaró alguna vez que sin Pet Sounds, el Sargent Pepper jamás hubiera existido. La idea la principió Paul, haciendo esbozos y trazando la fisonomía de los que sería el álbum siguiente. Se introdujeron canciones tanto de John, Paul y George, con la voz de Ringo en A Little Help Of Muy Friends. Experimentaron con nuevos sonidos y nuevos instrumentos, como la cítara hindú de Harrison en Within You Without You, y se aventurarían por el rock psicodélico de Lucy In The Sky With Diamonds. Por primera vez se incluirían las letras en un cuadernillo diseñado con fotos de The Beatles, ataviados con uniformes tipo militar de diferentes colores, que hoy son clásicos. Y lo espectacular vino con la portada del disco, que sería catalogada como la mejor de su época y como la más icónica de todos los tiempos (claro, también está la de Abbey Road, de 1969, pero ese es otro asunto), donde se incluyó la figura de personajes de la Historia y la farándula cinematográfica, a quienes The Beatles admiraban. No entraré en el debate de los mensajes “ocultos” y de los que tanto se ha hablado en los últimos cincuenta años (y que muchos de ellos giran en torno a la supuesta muerte de Paul), si no en el de la versión de que la portada simbolizaba la muerte de The Beatles y el nacimiento de la Banda de Los Corazones Solitarios del Sargento Pimienta, es decir, rompían con su pasado reciente y se incorporaban a la creatividad desbordada y al arte conceptual, que fue como terminó denominándose al Sargent Pepper.

El éxito fue instantáneo. Para inicios de 1968 el disco ya había vendido millones de copias. El 8 de enero de ese año, Jimmi Hendrix interpretó la primera canción del álbum, Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, en un concierto que ofreció en Londres, como una manera de reflejar el impacto que había suscitado en él. Después se sucedieron las críticas y todas fueron unánimes: The Beatles se habían reinventado, habían logrado el mejor disco de la Historia del Rock. Después vinieron otros acetatos, con éxitos equiparables y novedosos, aunque sin la conmoción lograda con el Sargent Pepper. The Beach Boys quisieron revolucionarse haciendo lo propio con otro más, sin embargo, aunque lo realizaron, jamás salió al mercado. A pregunta expresa, alguna vez se le cuestionó a uno de los integrantes si creían que habrían podido superar a The Beatles, él contestó: “El Sgt Pepper nos hubiera pateado el trasero”.

Así que hace 50 años The Beatles encontraron su Buda y lo destruyeron para convertirlo en el mejor disco de los sesenta, pero también como el inicio de la evolución del rock, un disco considerado conceptual desde todos los ángulos: como música y como objeto de arte. Las trece canciones incluidas parecen enlazadas unas con otras, pero distintas entre sí, cada una desde su propio universo y al mismo tiempo como una obra total. Para celebrarlo, este año se planea un documental que saldrá a finales de mayo, sobre todo lo ocurrido en torno al álbum, dirigido por el mismísimo Allan Parker; además, por supuesto, el relanzamiento del disco, que incluirá dos canciones que debieron salir originalmente: Strawberry Fields For Ever y Penny Lane, que en su momento fueron lanzadas como sencillos, y que según George Martin fue un completo error haberlas excluido. La primera fue integrada al Magical Mistery Tour y la segunda al llamado Disco Blanco.

50 años se dicen fáciles. 1967 fue el año también de la publicación de Cien años de soledad, de Gabriel García Márquez, y que este año cumple también su primer medio siglo. Fue el año en que The Beatles comenzaron a convertirse en mitos geniales, en monstruos fantásticos que seguimos recordando a través de su música. Ni las descargas mp3 en línea han logrado que dejen de ser rentables ni la música moderna ha logrado destronarlos. En esta media década se han hecho películas en torno al Sargent Pepper, unas memorables, como la de 1978, actuada y cantada por los Bee Gees, más una pléyade de músicos y cantantes de la época, llamada homónimamente Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band y dirigida por Michael Schultz.

Celebremos, pues, los cincuenta años del nacimiento del Sargent Pepper. No hay un mínimo de nostalgia recordar a la más grande banda del siglo XX, porque están vivos aquí en el presente, leyendas auténticas que respiran en las venas de los que aman a The Beatles y a la Historia.