«Este taller, apela a compartir herramienta sencillas y prácticas pero al mismo tiempo profundas para poder resolver las emociones desde un sitio más claro, luminoso y amoroso». Foto principal: Internet.

La Paz, Baja California Sur (BCS). Del lunes 14 al viernes 18 de noviembre próximos, se llevará a cabo el taller Centros energéticos, artes escénico y espíritu, en el Centro Cultural La Paz, ubicado en el corazón del Centro Histórico de esta ciudad, da a conocer Escénica Colectiva; el curso vivencial será impartido por Perla Salas-Cruz, artista escénico dedicada al desarrollo humano, y tendrá un costo de 600 pesos.

«Los centros energéticos están en todos los seres humanos, dependiendo la cultura se les designa determinado nombre como chakras, sellos o portales, y son fieles indicadores sobre nuestra salud física, mental, emotiva y energética. Este taller, apela a compartir herramienta sencillas y prácticas pero al mismo tiempo profundas para poder resolver las emociones desde un sitio más claro, luminoso y amoroso. Estas herramientas que son energéticas y espirituales, son compartidas por medio del arte escénico; desde el juego, el movimiento, el imaginario, el canto, la danza y el contacto con el otro. Pues el arte es una herramienta al servicio de la sociedad, que la ennoblece y recuerda que ante todo somos seres humanos», señala Escénica Colectiva.

El mayor tiempo de la sesión se realizarán ejercicios psicofísicos, prácticos o vivenciales por medio del movimiento físico, la introspección, la utilización de la voz, la imaginación, la deducción, exploración y manipulación de materiales específicos, contacto con el otro y trabajo grupal. El temario abarcará los temas de «Los distintos cuerpos»; «Los siete centros energéticos, sus características generales yparticularidades»; «Enfermedades, tópicos y mudras»; «Las emociones de sombra y lumínicas»; «El espejo, el reconocimiento, la apertura y el juego»; y «Ejercicios con la geografía del lugar».

“Centros energéticos, arte escénico y espíritu» es dirigido a mayores de 18 años y menores de 60, con una duración de cinco días continuos, de tres horas diarias cada día, haciendo un total de 20 horas de trabajo. Para mayores informes e inscripciones se dispone del teléfono 1225294 y el correo [email protected]

Teatro en La Fábrica

Escénica Colectiva también da a conocer la presentación de la puesta en escena Lo mejor es que nos olvidemos con Nathaly Rubio. Será el 17 de noviembre a las 20:30 horas en La Fábrica, ubicada en Carretera Transpeninsular #115, frente a Fidepaz, en esta ciudad. Se trata de una función única con entrada libre (se pedirá una aportación voluntaria).

«Los Garrobos». Fotos: Beiren Esliman.

Colaboración Especial

Por Beiren Esliman

La Paz, Baja California Sur (BCS). Cuando lo que llamamos cultura ya no es suficiente para poder expresar lo que se piensa o siente, comienzan a surgir nuevas formas que se manifiestan desde otras perspectivas, sobre todo cuando lo que quieres hacer es un reclamo para finalizar con los clichés y estereotipos que ha marcado la sociedad y que a duras penas estamos dejando atrás.

La emoción de asistir a un tokín, como si fuera la primera vez, es indescriptible, es un instante en el que pierdes la noción del tiempo y sabes que a través de las notas musicales estruendosas vas a encontrar aquello que pensabas perdido en el pasado, esas raíces que te hicieron que actualmente eres.

Pelos de colores, casi todos de negro, uno que otro disfrazado; desde adolescentes hasta adultos mayores, pero aquí, las generaciones no importan. Los tokines son para unificar, para compartir esas experiencias que —por generaciones— siguen siendo las mismas.

De los grupos estelares que se presentaron la noche de este sábado en La Paz —en el salón Ailú, en la colonia Pueblo Nuevo— uno proveniente de Guadalajara, Jalisco: “Esquina Rota”. Arribado a esta ciudad desde hace unos días, aseguran que de esa gran urbe de la que provienen, no se manan los sentimientos que aquí se perciben. “Aquí sentimos que no hay divisiones, es multi-género, que tiene que ver con la esencia de la banda, porque nosotros agarramos varios tipos de géneros, desde el punk, el reggae, el hip hop, esencialmente para tener más amplitud y romper lo que son las barreras de los géneros”, especificaron sus integrantes.

«Esquina Rota».

La gente en el slam, que se golpea de un lado a otro, refleja el coraje de las canciones de los grupos, que se revelan ante el sistema opresor, buscando romper estereotipos. Aquí todos son iguales, todos se unen con el mismo fin, “agarrar cura y escuchar música con contenido”, comentan los espectadores.

Por fin, el grupo estelar “Los Garrobos” sale a escena, todos alborotados se aglomeran a la orilla del templete, gritando, chiflando, esperando a que el primer sonido de la guitarra se oiga para iniciar con el slam nuevamente. Bailan, cantan, corea las canciones de su grupo, todos en un mismo ánimo, todos con la rebeldía por encima. Aquí los ingenieros, doctores, abogados, diseñadores, comunicólogos, estudiantes universitarios, estudiantes de media superior, todos son un solo cuerpo. No hay generaciones, no hay edades y no hay distingos de gustos musicales.

«Loa Garrobos».

Miguen Ángel «Lagarto» Núñez, vocalista del grupo “Garrobos”, comentó en entrevista que las tribus subterráneas de México se unen con su música. “Somos una banda privilegiada, y lo digo con mucho gusto, de llegar a todos los sectores, poder tocar con punks, con metaleros, con rockers, con urbanos con darks, con skas, eso es lo que nos hace ser diferentes y es por eso que estamos aquí, por más de 20 años ya”.

Los Garrobos “prenden a la gente”, los ahora llamados “chavos rucos” de la generación “X”, los milennials de la generación “Y”, en conjunto con la denominada generación “Z”, se fusionan, se compenetran y relacionan, intercambian gustos, anécdotas y se dan cuenta que pase lo que pase, siguen siendo las mismas experiencias.

La mujeres contraculturales —que se han rehusado a seguir esos parámetros e ideas cuadradas de ser sólo catalogadas como progenitoras— aquí son una más de la “palomilla”, nadie las juzga, nadie las controla. “Las mujeres al tratar de luchar por un lugar, debemos de entender la igualdad de géneros, no por obligación, sino por derecho. Aunque en México todavía no estamos preparados para ese cambio, la gente aún no entiende este cambio y si tú te revelas como mujer, tatuada, rebelde y que eres independiente, rápido te ponen una etiqueta”, asegura “El Lagarto”.

Cuando el tokín llega a su fin, sigue la adrenalina, pero lo único que queda es la esperanza de que pronto organicen uno igual, para que de nuevo sean uno con la música y por algunas horas, todos dejen de ser lo que la sociedad les dicta que sean, que se pierdan títulos, que se pierdan etiquetas. Esto sólo es capaz de lograrlo el rock en toda la escena musical.

Bob Dylan con D. A. Pennebaker, al fondo, filmando Don’t Look Back. Fotos: Internet.

Colaboración Especial

Por Lefteris Becerra

La Paz, Baja California Sur (BCS). Las controversias que desató el que la Academia Sueca le otorgara a Bob Dylan el Premio Nobel de Literatura no han parado. Para muchas personas del mundo académico resulta inadmisible. Para quienes —como el cineasta y poeta lituano Jonas Mekas— saben que la poesía no sólo ocurre en los libros dedicados a ella, el premio es una fresca constatación de ello que abre los ojos hacia aquellos espacios en los que ocurre la poesía sin que medien los medios comunes para ello. Para los seguidores de la música folk o el folk rock, el Nobel debió decantarse por otras figuras como Leonard Cohen. En fin, que el anuncio desde Estocolmo no parece terminar con el enfrentamiento de las reacciones. Y el silencio de Dylan es el telón de fondo para todo ese barullo del que las llamadas redes sociales se han hecho eco.

Mientras que se dirime en círculos especializados si estuvo bien o no el reconocimiento literario otorgado a un cantante popular, desde hace décadas, los artistas y muchas personas en el mundo aprecian la creatividad poética de Dylan. Al iniciar su carrera a principios de la década de 1960, no estaba claro cuál sería el alcance de su poder creativo. Estaba en pleno desarrollo. Y hubo quien desde entonces se percató de las dimensiones de la figura de ese joven delgado y desaliñado, que al tomar una guitarra, una armónica o un piano, era capaz de ofrecer una mirada sobre el mundo que era a un tiempo crítica y bella.

Uno de los testigos del crecimiento creativo y el potencial que encerraba Dylan, fue el director de cine estadounidense D. A. Pennebaker. Su opus noveno es el filme que conocemos bajo el título Don’t Look Back, un registro de la gira de Dylan por Gran Bretaña en 1965. A esta cinta que ya cumplió 50 años de realizada se le considera la primera de un género que es muy gustado y que cuenta con ejemplares extraordinarios a lo largo de ese medio siglo de existencia: el rockumental. No se trata de la grabación de un concierto —aunque no falta el pietaje dedicado a, por ejemplo, su apoteósica presentación en el Royal Albert Hall—, ni de una biografía, sino de cine directo, que intenta captar la frescura del personaje en múltiples espacios y momentos en los que atraviesa por diferentes estados anímicos, departiendo con amigos, fanáticos o los medios de comunicación.

El resultado es un brillante documento que marca la transición entre un Dylan que ya era célebre por la calidad de su música folk, hacia otro que va a acercarse en el futuro mucho más al rock no acústico y que se convertirá en la figura que hoy despierta pasiones a favor y en contra. El registro de Pennebaker cuenta con muchos aciertos y contribuye en la creación de la persona Dylan que no es ajena a los momentos de crueldad —como cuando en un mano a mano improvisado con el cantante Donovan, le espeta su canción “It’s All Over Now, Baby Blue”, ganando la pelea contra la cursilería por nocaut—, ni a las reacciones de creatividad espontánea del insolente Dylan. La secuencia inicial del filme es uno de los momentos icónicos del rock, con Dylan tirando cartulinas con palabras de la canción “Subterranean Homesick Blues” que se escucha en la banda sonora. Para hacer más memorable la escena, al fondo se ve al poeta beatnik Allen Ginsberg conversando con otra persona.

Décadas antes de que se inventara el video musical a lo MTV, Pennebaker y Dylan crearon estas imágenes que se usaron para promocionar el filme, el famoso trailer o avance, como lo conocemos. Don’t Look Back será función de apertura del ciclo de noviembre en el cineclub Medusa de la Red de Cineclubes de La Paz. Para continuar, se proyectarán otros tres rockumentales y un ensayo cinematográfico.

La vida y obra de la artista estadounidense Patti Smith, conocida por su aproximación poética al rock desde el punk, en el filme Patti Smith: Dream of Life (Steven Sebring, 2008); luego tendremos Leonard Cohen: I’m Your Man (Lian Lunson, 2005) que es una mezcla de tributo de diferentes artistas y grupos de la escena del rock como Nick Cave y Antony de Antony and the Johnsons, con pasajes documentales sobre quien ha grabado 14 discos de estudio, ha publicado una decena de libros de poesía y dos novelas y que dijo al enterarse del Nobel para Dylan —atajando la falsa polémica creada por algunos de sus fanáticos que lo preferían a él para el laurel—: “es como prenderle una medalla al Everest por ser la montaña más alta”, lo cual clarifica la perspectiva irónica que estos personajes tienen de semejantes “acontecimientos”, amén del elegante reconocimiento a Dylan.

Dylan y Patti Smith.

Leonard Cohen.

Seguirá el ciclo con la proyección de otras dos piezas estupendas: Corazón de perro de la artista multidisciplnaria Laurie Anderson, que recibiera la comisión del canal cultural franco-germano Arte para su realización. El resultado es un ensayo cinematográfico que pinta de cuerpo entero el talento y la creatividad de la también cantante y escritora. Es un ejemplo rotundo de cómo no es necesario ni siquiera escribir versos para desplegar la poesía que caracteriza todo lo que esta artista estadounidense toca. En sus diferentes visitas a nuestro país, quienes hemos tenido el privilegio de asistir, hemos sido testigos de esa cualidad que se manifiesta en los sonidos de su violín eléctrico, en sus breves pero encantadores cuentos y ahora en la forma fílmica. Baste decir que Laurie Anderson estuvo casada con el rockero Lou Reed y del que quedó viuda el pasado 27 de octubre de 2013, y esa pérdida, junto a la de su perra Lolabelle, le sirven de inspiración para un documento poético de largo aliento.

Laurie Anderson y Lou Reed.

Lou Reed y Laurie Anderson.

El filme de Laurie Anderson fue estrenado en 2015 en el Festival de Cine de Telluride y en el de Venecia con el aplauso crítico casi unánime y universal. Sólo se ha mostrado en la Ciudad de México y será una ocasión espléndida poder disfrutarlo en La Paz. Por último, para cerrar el ciclo de forma magnífica, el quinto martes de noviembre, el 29, proyectaremos un documental dedicado a examinar la figura del autodenominado Profeta del nopal, Rockdrigo González, músico poeta tampiqueño —aunque defeño por vocación y adopción. El célebre músico que muriera trágicamente, según la versión chocarrera de la banda chilanga, “de un pasón de cemento” —aplastado por el concreto del edificio de Tlatelolco en el terremoto de 1985.

Rockdrigo.

Quienes ya han escuchado las composiciones de Rockdrigo y gustan de su lírica, podrán ver un buen documental dirigido por Rafael Montero (autor de Cilantro y perejil, entre otros filmes) en el 2004, y quienes no saben de la existencia de este portento del género rupestre, tendrán ocasión de descubrirlo con material de archivo espléndido que nos recupera la memoria de la trayectoria trágica de un talento poético sin par.

Dolores Heredia. Foto principal: Internet.

La Paz, Baja California Sur (BCS). Dolores Heredia —quien interpretó a la madre de Juan Gabriel en la serie Hasta que te conocí— estuvo de visita en La Paz, su tierra natal, donde en entrevista exclusiva para CULCO BCS habló de los proyectos en cine y televisión donde dijo que «no»; dentro de ellos, declaró que recientemente no quiso interpretar a la mamá de Joaquín «El Chapo» Guzmán en la serie que se plantea transmitir en el 2017.

«Ahorita acabo de renunciar a un proyecto. Es una serie en donde me ofrecían el personaje del papel de la mamá de «El Chapo», entonces dije ‘yo no quiero hacer a la mamá de El Chapo’. Ni me parezco y no la quiero hacer. Punto. No quiero más historias de narcos», dijo.

La tarde de este viernes, en una charla con actores locales en la biblioteca «Justo Sierra» en esta capital, la actriz dijo que se aprendía más del «no» que del «sí». Minutos más tarde, al preguntarle ¿a qué películas o series se había negado a participar?, citó la serie de televisión sobre el narcotraficante que desde mayo pasado se anunció por parte de Univisión y Netflix, para salir al aire el próximo año.

Amable, pero llena de carácter, Dolores Heredia sostiene que ha rechazado otros proyectos por ser su «filosofía». «Simplemente yo no me quiero a veces en historias donde yo no comparto la historia, no comparto el guión». En cine, no aceptó participar en Spanglish. Dijo «hay una película que no quise ni siquiera hacer el casting, es una película… no me acuerdo ni como se llama, es una película con Adam Sandler. Es una comedia, y finalmente lo hizo la actriz española Paz Vega. A mí me buscaron muchísimo para que hiciera el casting. Yo estaba haciendo una película en Colombia, y luego regresé y ‘Por favor, haz por lo menos el casting‘. Y yo dije ‘no, yo no quiero hacer de sirvienta en Estados Unidos, en una cosa donde se mofan de nosotros, en donde me parece que es indignante y dije que no’. Y no lo hice. Fue así, de posición».

Caso contrario: donde ella hubiera querido participar y se quedó con ganas de dar el «sí» fueron dos películas cuyos personajes fueron interpretados por Salma Hayek. «Hay una película que me hubiera encantado hacer que es basada en la novela de Naguib Mahfuz, de Jorge Fons, El callejón de los milagros. Es una película que ¡me encanta! (…) Luego Frida también, me lo habían ofrecido también cuando todavía lo tenía Roberto Sneider y dije ‘no, yo Frida no quiero hacer nunca’, ‘pero ¿porqué? si Frida es fantástica’. ‘Es que si yo hago Frida, después todo el mundo  me va a ver como Frida. Entonces no, no quiero hacer Frida. Déjenla descansar en paz’. Quedó una película preciosa. No me arrepiento, pero la veo y dijo ‘mira esa yo la iba a hacer’.

Heredia estuvo en la biblioteca «Justo Sierra» dando una charla, acompañada del maestro Alfonso Álvarez Bañuelos. Foto: Ernesto Jaulez.

Sí busca a Peña Nieto

Este mes, Dolores Heredia cumplió años y recibió una carta de felicitación por el Presidente de México, Enrique Peña Nieto; entre risas, se publicó en medios nacionales que ella buscaría verlo en persona para agradecerle… y aprovechar de tratar el tema del recorte a Cultura para el 2017. En la entrevista para CULCO BCS, sostiene que esto va en serio, y además confía en ser escuchada.

«De verdad, el día de mi cumpleaños recibí una carta firmada por él (Peña Nieto), en donde me felicita por mi cumpleaños. Me sorprendió muchísimo recibir esta carta y aproveché la ocasión para poder decirle que le quiero agradecer personalmente, y de paso, pues invitar a un grupo de amigos cineastas, para poder, viéndonos a los ojos, poder hablar de temas que nos competen, y que tenemos muchas ideas para darle».

«Suena chistoso, pero es real», enfatizó. «Soy Presidenta de la Academia de Cine y desde allí convoqué a todos los gremios cinematográficos para que hiciéramos un frente y que entre todos pudiéramos argumentar por qué es tan importante que se mantenga —mínimo, que se mantenga— el presupuesto que hasta el año pasado tuvimos en Cultura. Pero creemos que en realidad el presupuesto no se debería detener allí. Se tendría que aumentar (…) Entonces, pues sí es un llamado a sentarnos a hablar y que podamos nosotros argumentar por qué consideramos que no deberían recortar en estas áreas (…) Es una postura muy clara, muy fuerte y muy amable también, porque no estamos ni siquiera peleando, ni insultando; creemos que tenemos buenos argumentos para convencerlos».

Por último, señala que la audiencia con Peña Nieto «ya está pedida; se está moviendo», y que el mismo tema del recorte al presupuesto para Cultura se verá en otras instancias de gobierno. «Ahorita tenemos una invitación, por ejemplo, los legisladores empezaron a responder. Tenemos ya una invitación del Senado y en estos días se tendrá también una reunión con la Comisión de Cultura de la Cámara de Diputados. Soy muy optimista, yo creo que (el Presidente) no tiene por qué decir que no».

Kinetoscopio

Por Marco A. Hernández Maciel

La Paz, Baja California Sur (BCS). Marvel Studios tiene la fórmula dominada a la perfección. Sus producciones tienen un sello y un molde definido y lo manejan con soltura, con autoridad. Este es el caso de Doctor Strange, donde si bien exploran el lado más psicodélico de su universo, este se mantiene apegado a las reglas que Kevin Feige –presidente de Marvel Studios– tiene férreamente definidas y no altera en absoluto la existencia del mismo. En este universo donde todo es posible, las reglas de su existencia son bastante estrechas, pero también son la base para el éxito descomunal que han conseguido sumando la experiencia de más de diez películas desde el el estreno de Iron Man en 2008.

Doctor Strange, basada en los comics de Marvel creados por Stan Lee y Steve Ditko, nos cuenta la historia del doctor Stephen Strange, talentoso y exitoso cirujano que tras un terrible accidente necesita encontrar una cura para él mismo que le permita recuperar su talento y su vida. Es en esa búsqueda donde conoce los poderes mágicos que lo convierten en el Hechicero Supremo, defensor ante las entidades místicas que acechan la Tierra.

De un inicio, esta historia de 115 minutos de duración, escrita y dirigida por Scott Derrickson, asume que estamos plenamente empapados del universo Marvel por lo que nos hacen transitar muy rápidamente a la acción y debido a ello pareciera que estamos ante un héroe que sale, literalmente, por arte de magia. Esta rapidez, que por un lado golpea y debilita la construcción de personajes más sólidos, permite irnos en fast track a las secuencias de enfrentamientos entre los antagonistas que son los puntos más fuertes del film.

Con una agilidad vertiginosa, el film arrebata elementos místico-científicos de filmes como 2001 de Stanley Kubrick, Inception de Christopher Nolan, la saga Harry Potter, Matrix de las hermanas Wachowski, Superman de Richard Donner, Hugo de Martin Scorsese; y los utiliza de manera magistral para alimentarnos visualmente con una serie de planos que nos sumergen en los multiversos que apenas estamos por conocer.

Y el arrebato no se queda ahí. Al ser un mundo que toma también prestados elementos de la cultura oriental, tenemos kung fu, tenemos té, tenemos meditación y algo parecido a un sable –yo diría tenemos Kill Bill–, y ¿saben qué? también tenemos wi-fi y por ahí radica el gran acierto de la dirección, mezclar la ciencia, con la magia, misticismo, multiversos, viajes astrales, conocimiento, paciencia, la vida cotidiana y el kung fu sin perder el rumbo, trayendo a la vida una obra que lubrica y opera de manera magistral esos engranes visuales que parece le pertenecen a máquinas muy diferentes. Pese a ello el concepto total deja un sabor de haberlo probado antes en otro lado; sorprende la manufactura, mas no la originalidad.

En la interpretación, Benedict Cumberbatch como el Doctor Strange cumple a la altura del encargo, si bien el guión no le exige un trabajo a fondo, su presencia física y su enigmático tono de voz le dan el poder suficiente para ser el dueño del papel por mucho tiempo. Y lo mismo podemos decir de todo el reparto: Tilda Swinton, Chiwetel Ejiofor, Benedict Wong, son convincentes y cumplen su cometido. Caso aparte la actuación de Rachel McAdams que llega  a ser intrascendente para la historia y del villano Mads Mikkelsen, quien fiel a la tradición de las producciones de Marvel, es un villano que se queda corto ante el potencial que presumía.

Y ante multiversos, entidades místicas, conjuros y Wi-Fi, la fórmula Marvel sigue intacta, y a la vez se renueva. Ahí está el héroe que surge sin saber muy bien porqué, humor familiar que estuvo a una rayita de volverse molesto, conexión a otras películas e historias, el cameo de Stan Lee, dos escenas post-créditos –que los empleados del cine seguramente odian porque tienen que esperar a que terminen las letritas para poder realizar su trabajo, y los que estamos en fila esperando nos tenemos que aguantar las ganas de entrar a la sala aunque las palomitas se pongan aguadas con el chile y el refresco se vaya calentando–. Doctor Strange es un viaje vertiginoso en un sueño  lúcido que sería genial ver en formato IMAX, lástima que para La Paz eso se ve muy lejano.